Tem que ser real: fórmula para autenticidade

Aprenda a fórmula de como dar uma apresentação autêntica de dança do ventre, incluindo escolha musical, expressão e outras dicas de autenticidade, conforme contado por Olga 'Shamiram' Kramarova, 10 anos de experiência como dançarina do ventre profissional na área de Los Angeles /

Tem que ser real: fórmula para autenticidadePostado por Olga 'Shamiram' Kramarova em 28/09/2020 para Educação de dançarino

No meu artigo anteriorTem que ser real: auto-reflexão e tornando o momento importante, Mencionei uma fórmula que uso para montar minhas próprias performances. Novamente, não tenho a intenção de dizer o que é certo ou errado, mas gostaria de compartilhar alguns pontos que me ajudaram na minha carreira e espero que eles possam ajudar você também na sua. Para começar, gostaria de voltar à autenticidade ... Esteja você preparando um cenário para o seu clube regular ou montando um show personalizado para um casamento, existem algumas coisas universais que devemos sempre estar atentos. A primeira coisa é o música . Tradicionalmente, a maioria das canções que usamos para a dança do ventre são originalmente em árabe. Existem muitas versões instrumentais de músicas, mas eu pessoalmente gosto de usar algumas canções com letras no meu show. Isso normalmente incentiva o envolvimento do público e chama sua atenção. Mas tenha cuidado! Eu recomendo fortemente traduzir as letras das músicas que você escolher para dançar. Não consigo nem contar o número de vezes que vi dançarinas adoráveis, técnicas e talentosas ignorar completamente a letra da música e dar uma mensagem contraditória por meio de sua performance. Por exemplo, se a música que eles escolheram contém palavras de tristeza, dor e desgosto, mas eles estão dançando com um grande sorriso no rosto, usando movimentos de 'paquera', isso faz com que o público veja esta apresentação como ingênua, sem autenticidade e possivelmente até mesmo ignorante! A última coisa que queremos fazer é ofender qualquer um dos membros do nosso público fazendo algo que deturpe sua cultura. Pelo contrário, queremos mostrar que a beleza desta forma de arte continua a se espalhar pelo mundo ocidental.


Isso se relaciona diretamente com o segundo ponto de autenticidade na performance - uma dançarinaexpressão. Costumo pensar nos dançarinos como artistas que ilustram a música com os movimentos de seus corpos. Instrumentos diferentes inspiram diferentes tipos de movimento, assim como letras diferentes provocam emoções diferentes. Em um bom desempenho, essas coisas são equilibradas e afinadas. E a expressão vai além de uma 'piscadela e um sorriso'. A expressão envolve presença e equilíbrio. Envolve se tornar um personagem diferente, assumir uma personalidade diferente. Algo que não percebemos é que, quando estamos no palco, as pessoas nos percebem como superestrelas brilhantes porque é isso que elas veem. E é isso que eles deveriam ver. Podemos usar nossos sentimentos para “dançar o que sentimos”, mas nunca devemos quebrar o personagem ou esquecer que somos artistas. Assim, as expressões que usamos para embelezar nossa dança devem ser relativas à nossa música, ao estilo de dança que estamos apresentando e à mensagem por trás de cada estilo. Percebo que quando danço peças clássicas, tendo a expressar um lado mais vulnerável de mim mesma, mas quando danço Saidi, sou muito mais brincalhão. Ainda assim, quando eu finalizo meu set com um solo de bateria , Eu me sinto mais poderoso.




Ser capaz de expressar essas diferentes facetas de nossa personalidade faz uma grande diferença em nosso desempenho e mantém a atenção de nosso público. Ter expressões dinâmicas é tão importante quanto ter música dinâmica em sua apresentação. Mas, novamente, essas expressões não podem ser forçadas ou não naturais. A única maneira de canalizar essas expressões autênticas é por meio da educação e exposição, por meio do aprendizado e da prática.


O último elemento de autenticidade sobre o qual quero falar éfantasias. Se você está incluindo uma peça folclórica em sua performance, é importante saber o traje correspondente que a acompanha. Concedido, em nossos shows de 30 minutos em clubes, não podemos nos dar ao luxo de mudar nossas fantasias várias vezes. No entanto, estar atento ao traje adequado e aproveitar as vantagens de usar o traje apropriado quando possível torna você mais confiável como dançarino profissional para o seu público. Mas não usando um galabeya para uma peça Saidi ou Beledi não é tão problemática quanto os trajes “perto de nada” que os dançarinos usam ao dançar os clássicos de Oum Kalthoum. Costumo dizer que a internet é uma bênção e uma maldição. Vemos centenas de vídeos de dançarinos que se tornam virais por causa de seu comportamento nada elegante e trajes reveladores. Novamente, todos têm o direito de ter sua própria opinião sobre esses dançarinos, e todos devem usar o traje com que se sentem confortáveis.


É importante conhecer seu público. É importante considerar o evento ou ocasião para o qual você está se apresentando. Além disso, lembre-se de que alguém em suas apresentações pode estar vendo dança do ventre pela primeira vez. Como você quer que eles se lembrem de sua primeira experiência? Como você quer que eles formem suas opiniões sobre esse estilo de dança? Assumimos muita responsabilidade quando levamos o que fazemos para o público. Decida com cuidado e aja de acordo em todas as apresentações. Oh! E sua “performance” não começa quando sua música começa ou termina quando você faz uma reverência. Vai muito além disso. Sua apresentação começa na primeira interação que você tem com o cliente ao agendar a apresentação e se estende até as fotos pós-show que você tira com seus fãs. Tantas vezes eu ouvi pessoas darem suas opiniões sobre os dançarinos com base em quão agradável ou legal o dançarino era, independentemente de como eles dançaram! Sempre seja amigável e educado, mas definitivamente mantenha sua posição quando sentir que está sendo maltratado no trabalho.




Olga 'Shamiram' Kramarova é uma performer apaixonada, instrutora e coreógrafa cujo conhecimento de várias músicas e danças culturais incluem Árabe / Dança do Ventre, Dança Persa, Dança Armênia, Dabke, Dança Indiana, Dança Folclórica Russa, Samba Brasileiro, Flamenco Espanhol, Salão de Baile e Dança Latina. Atualmente é diretora, solista e coreógrafa da Negma International Dance Company e dançarina principal da Spanish Dance Company de Roberto Amaral. Quando ela não está dançando, Olga trabalha como professor de Estatística, Métodos de Pesquisa e Psicologia Cognitiva na California State University, Northridge, bem como UX Researcher para o YouTube. Ela se apresentou e continua a se apresentar em vários locais por toda a Califórnia, bem como ao redor do mundo.